'Construint a la Sala 2012'

[Imagen: © Jaume Orpinell]

ESTE AÑO, por primera vez, he participado como voluntario en el Taller de arquitectura para niños y niñas: 'Construint a la Sala' en su sexta edición. Ayudé en el montaje la tarde del día anterior y luego la mañana del taller. ¡El año que viene repito!

Iglesia en Mostaganem, Argelia

[Imagen: © Dz_online]

[Imagen: vía Oran Bel-air]

CUALQUIERA que eche un vistazo a este blog pensará que tengo fijación con las iglesias, ya que les he dedicado varias entradas. Es cierto. Y para que negarlo, me gustaría tener la oportunidad de trabajar en alguna. Es una tipología con mucha historia, con relativa sencillez de requerimientos funcionales y grande de simbólicos, que permite una gran libertad a la hora de proyectar. Motivos por los que existen tantos ejemplos sugerentes. Uno más, es ésta que encontré por casualidad.

Todo lo que sé, es que se trata de la antigua Iglesia de Saint-Jean-Baptiste. Está en Argelia, en Mostaganem —ciudad cercana a Orán—. Fue construida en 1839, durante el periodo colonial francés, sobre el lugar que ocupaba una mezquita. En 1970 paso al culto islámico con el nombre de Mezquita Badr. Y en la actualidad es utilizada como biblioteca municipal, aunque esto último no está confirmado.

Los dibujos geométricos de sus fachadas, con celosías de diferentes tipos —quién sabe si como guiño a este elemento característico de la arquitectura islámica—, llaman la atención a primera vista. La sencillez volumétrica, es un simple ortoedro, se contrapone al tratamiento meticuloso, casi textil, de las superficies. Parecen bordadas, como si fueran tapetes de 'crochet' de los que se encontraban en casa de la abuela. También me recuerdan a las construcciones con bloques del periodo introspectivo de F. LL. Wright —el que va desde 1913 a 1924—. Aunque, como he comentado antes, esta iglesia es muy anterior.

A continuación, dejo una recopilación de fotografías recientes de su singular envolvente exterior.

Janet Jones, collages

[Notations #11]

«[...] reflects my love of letter forms and typography, of words and language, and a delight in the visual and tactile properties of old books and documents, especially those that are creased, stained and foxed. I'm interested in surface variations and the play of light on shiny areas contrasting with the velvety softness of old papers. In a larger sense, they're about communication, nuance and layers of meaning.»

'Notations'
—Janet Jones

LOS COLLAGES de Janet Jones, así como toda su obra, destilan materialidad. Deseas tocarlos, olerlos... incluso más que contemplarlos. Y no sólo eso, incorporan el tiempo, su paso, lo que los humaniza. En la era de lo inmaterial, de la exaltación de la economía financiera frente a la productiva, de las relaciones virtuales... la "fisicidad", lo tangible, las «capas de significado», el collage en papel como metáfora sigue teniendo su espacio.

The Playboy Town House

PUBLICADA en el número de mayo de 1962 de la revista Playboy, en un artículo titulado: "The Playboy Town House: Posh Plans for Exciting Urban Living", fue proyectada por el arquitecto R. Donald Jaye y renderizada para la ocasión por Humen Tan.

No sé el trabajo de cual de los dos me gusta más, si la elegancia del diseño y el gusto por los materiales de Jaye o los magníficos dibujos de Tan —atención a la sección longitudinal ¡nocturna!—. Por cierto, uno de ellos fue vendido por más 10.000 dolares, el 2003, en la casa de subastas Christie's.

Y los interiores:

Jorinde Voigt, dibujos

«A rose is a rose is a rose»

—Gertrude Stein

ENTENDÍ EL VALOR DEL DIBUJO, como fin en sí mismo, en sexto de carrera. Fue en la asignatura de Dibujo III, gracias a un profesor del que lamentablemente no recuerdo su nombre. Nos lo hizo ver, en una explicación memorable, ejemplificándolo con algunos de Paul Klee. Unos dibujos que sólo respondían a sus propias reglas, independientes de la pericia del ejecutante —la que nos había martirizado en los dos primeros años de carrera—, de cualquier modelo o referente externo y de su uso instrumental (para los proyectos, en la pintura, etc).

Ver ahora las realizaciones de la artista alemana Jorinde Voigt, me ha recordado sus palabras y me resulta inevitable no asociarlas, ya que sus obras las cumplen a la perfección.

Algunos ejemplos más:

La trenza de Carissa

[Imagen: © Carissa Gallo]

LAS IMÁGENES NOS ATRAEN, nos emocionan, o por lo que muestran o por la maestría técnica con que están realizadas, algunas por ambos motivos. Y otras, las menos —las que prefiero—, por lo que dicen sin decir. 'La trenza', así la he bautizado, de Carissa Gallo  pertenece a esta última categoría.

Sobre la literalidad, al por mayor

[Imagen: vía Black and Wtf]

PARA LIQUIDAR un gran stock de abrigos, el señor Troelstrup —avispado comerciante de Copenhague— ideó una atrevida campaña publicitaria, forrar con ellos su almacén. Construyo un gran andamio que envolvía el edificio, a modo de humilde perchero, donde permanecían expuestos. Fue una inteligente táctica comercial, y un sospechoso ejercicio de "arquitectura" textil.

Sospechoso porqué la literalidad está reñida con la arquitectura y, más allá de la broma, no decimos que esto sea arquitectura (textil), como la acostumbramos a entender. Un ejemplo parecido sería un edificio que para evocar el mar tomara forma de vela. De manera inmediata provocaría nuestros recelos profesionales, «¡Es demasiado evidente!», exclamaríamos; aunque sería apreciado por gran parte de la población —¿De qué me suena esto?

Cómo se combina "comercialidad" con rigor arquitectónico es la paradoja que me interesa destacar. Por un lado, la arquitectura necesita conectar con el cliente/usuario, y la literalidad es un mecanismo útil. Pero por otro lado, por lo que tiene de disciplina artística, requiere de registros más profundos que vayan más allá de una primera lectura inmediata. Encontrar ese punto de equilibrio es lo que admiramos cuando se produce.

Y para acabar con la historia del señor Troelstrup, a las autoridades danesas no les hizo ninguna gracia su ocurrencia y la policía le ordeno desmontar el tinglado. No obstante, cuentan que la operación fue un éxito: los vendió todos... aunque no pasara a los anales de la arquitectura.

Blue Box House, delicia oriental

[Imagen: vía PRIVATE]

LA CAJA AZUL (1971), Tokio, de Mayumi Miyawaki es una de esas maravillas que te alegran el día. Con la siguiente foto, el apelativo de la casa resulta evidente. No obstante, es más misterioso —y poético— cuando sólo conoces la primera, la imagen en blanco y negro. Inspira ese punto de tristeza que caracteriza la cultura japonesa; que, sin embargo, es trasgredido en la realidad con los colores y las pinturas de inspiración Pop o, con bastante generosidad, "corbusierana".

[Imagen: vía D*]

Capilla de Santa Filomena, cuando el tamaño no importa

«El arte nos enseña la sencillez en un mundo artificial»
—Lin Yutang

EL TAMAÑO no es importante, para la calidad arquitectónica de una obra, cuando hay ideas bien trabajadas. Un ejemplo es la pequeña capilla proyectada por Pedro Maurício Borges en Figueira da Foz (Portugal). Un proyecto que, entre otros aciertos —juego con la luz, compleja sencillez volumétrica—, desarrolla una idea ya utilizada por Le Corbusier en la Capilla de Ronchamp: la de la imagen sacra que tanto puede ser contemplada desde el interior como desde el exterior. Actualizada y resuelta a modo de elegante "escaparate comercial" situado sobre el eje de la visual de aproximación al edificio.

[Imágenes: vía yatzer © Fernando Guerra, FG+SG Architectural Photography]

Caligrafía coreana

[Poema: Energy of the land © Park Deok-jun]

LA CALIGRAFÍA es a la escritura, lo que la arquitectura a la construcción: el momento en que se transciende la pura necesidad; cuando contenido y forma se funden. Es fácil sentirse fascinado por estas obras únicas "improvisadas". El soporte (la calidad del papel), la ejecución (el trazo con el pincel), la composición (el equilibrio entre lleno y vacío) o la intencionada introducción del color determinan el resultado: algo más que simple literatura dibujada.

Casa Sten, algo huele a rosas en Dinamarca

CASA DE VERANEO del arquitecto danés Michael Stan Johnsen. Tan interesante por el resultado, como por la filosofía seguida en la larga y pausada gestación, es fruto de tres décadas de trabajo. Un proceso que se inicia en los años setenta y que llega hasta los noventa. En él, se reutilizaron muros de dos casas preexistentes sobre los que se yuxtapuso los nuevos elementos, manteniendo un criterio unitario de sinceridad en el uso de los materiales. El conjunto desprende claridad de ideas y esa domesticidad nórdica que se caracteriza por una cierta despreocupación formal y que prioriza, en cambio, una confortabilidad más táctil que visual. Son casas no para ser miradas, sino sobretodo para ser disfrutadas, vividas; su principal atractivo.

Jessica Bell, collages

[Imagen: Community 1 © Jessica Bell]

DELICADEZA, levedad, sencillez son alguno de los conceptos atribuibles a los etéreos collages de Jessica Bell. Normalmente agrupados en series de tres o cuatro piezas y realizados con papeles acuarelados o tejidos, materiales siempre con un cierto grado de transparencia. Un casi nada conmovedor.

Aprendiendo de Monsieur Hulot

[Imagen: "Casa de Monsieur Hulot" vía © pietschreuders]

«It is not down on any map; true places never are.»
 — Herman Melville

EL ALAMBICADO recorrido que Monsieur Hulot realiza cada vez que accede a su vivienda es una de las escenas inolvidables de 'Mi tío' (1958) de Jacques Tati. Un deambular por un conjunto de escaleras, pasillos y pasarelas —diseñado ex proceso para la película en St Maur-des-Fossés, París, por Henri Schmitt—, prolongación de lo público exterior en el interior del edificio. Espacios intermedios que facilitan la creación de vínculos entre los vecinos de manera informal. A la vez que simbolizan la antítesis caricaturesca de Villa Arpel. La casa unifamiliar rodeada por una valla, pensada para acceder en automóvil, donde viven aislados el sobrino de Hulot y sus padres. Vivienda que en la película encarna, por contraposición, un mal entendido concepto de progreso basado exclusivamente en la técnica y la eficacia, pero que olvida la necesidad vital de relación del ser humano. Y que es esta interacción la que finalmente construye los lugares verdaderos; los que no se encuentran en los mapas... o en los planos, pero que disfrutamos a diario.

Akos Major, fotógrafo

[Imagen: de la serie 'Waterscapes' © Akos Major]

EL PAISAJE visto por Akos Major. Unas veces cotidiano, otras natural; casi siempre frío, muy frío. Plasmado en fotografías, clásicas en la composición, que comunican una sensación de pureza, de esencialidad.

El proceso creativo en viñetas

ACERTADA y breve explicación del proceso creativo, obra del dibujante de historietas Grant Snider. Recoge desde los sucesivos comienzos a la superación de los límites, pasando por los arrepentimientos y el aprovechamiento de los hallazgos fortuitos.

La Ruina es bella

[Imagen: © Tom Mannion]

«El tiempo es el mejor autor; siempre encuentra un final perfecto»

—Charles Chaplin

ENVEJECE lo que está vivo de verdad. Hacerlo forma parte del ciclo natural de renovación. Otra cosa es si este proceso de ruina física dignifica, o no, el objeto o persona en cuestión. Es aquí donde la conservación y el mantenimiento pueden evitar la decrepitud; en algunos casos, también extrañamente atractiva. Quizás porque admiramos todo aquello que resiste con tenacidad, hasta la extenuación, el paso del tiempo y el uso; aunque sepamos que es una guerra perdida. La ruina es inevitable.

No obstante, para que la ruina sea memorable tiene que haber algo más que resistencia material y fortuna. Tiene que explicarnos una historia. Hablarnos de un tiempo, de un lugar... Transmitirnos un contenido emocional. Entendida de esta manera, la ruina es la casual destilación de una emoción. Y la belleza, lo que sentimos al contemplarla, su reflejo; ya que en arte las emociones se inducen, no se expresan directamente. Y es que, a veces, una pequeña arquitectura puede ser una Ruina con mayúscula.

Estereotomía inca

«El poema que quiero escribir es imposible. Una piedra que flota.»
—Charles Simic

POR MUCHO que haya contemplado muros incas en anteriores ocasiones, como éste de Machu Picchu, me maravillan de nuevo cada vez que tropiezo con uno. Se debe a tres motivos: uno de tipo constructivo-estructural, la sabiduría que expresa la estereotomía* de la piedra; otro estético, son formas lejanas en el tiempo aunque próximas a una sensibilidad plástica actual, y un tercero, la naturalidad con que se inbrican los dos anteriores.

La estereotomía es lo primero que llama la atención. Para garantizar la trava entre los bloques de granito bajo acciones sísmicas, frecuentes en la zona, estos con gran perfección se inflexionan con sus adyacentes sin parecer seguir una ley fija. Disposición que rompe la continuidad de las juntas verticales y especialmente de las horizontales, característica distintiva de este tipo de aparejo. El objetivo, conservar la integridad del muro, en caso de terremoto, al aumentar el perímetro de contacto y evitar planos continuos que favorezcan el deslizamiento de los sillares.

El otro punto remarcable es el acabado esmerado que se le da a la piedra. Más si cabe, si se tiene en cuenta que para trabajarla sólo utilizaban herramientas de bronze, menos duro que el hierro, y la pulían con arena por abrasión. Las aristas son redondeadas y las superficies tienen un aspecto terso y almohadillado —recuerdan el diseño automovilístico actual—, cosas que combinadas con la estereotomía sismoresistente niegan cualidades que asociamos con la piedra: tectonicidad y pesadez. Poco de esto sugieren.

Transmiten, en cambio, una sensación de plasticidad, como si se tratase de un paño de un material preconformable —tipo arcilla— que posteriormente ha sido roturado. Y por otro lado, el "hinchado" de las superficies comunica ligereza; no parece que los muros "pesen" (tanto), aunque trabajen por gravedad. El tallado y el pulido de la piedra la desarma de sus cualidades intrínsecas; la dota de un caracter "impropio" y sorprendente, a la par que funcional —además, no hay dos bloques iguales—. El resultado, una imagen seductora para una mirada actual.

*La palabra estereotomía  significa, literalmente, corte de sólidos. La utilizo en esta acepción genérica, en vez de como se entiende a partir del siglo XVIII: teoría geométrica de la construcción en piedra tallada.

Genadii Berëzkin, collages

[Imagen: © Genadii Berëzkin, vía but does it float ]

ADORO LOS COLLAGES de Genadii Berëzkin. ¿Por qué? Por el uso que hace de las texturas, figurativas muchas de ellas; por la profundidad espacial que tienen; por la combinación de lo formal y lo informal; y sobre todo por la armonía que consigue con materiales tan diversos.

Cafetera expresso de porcelana y madera

[Imagen: vía Iain Claridge]

DISEÑADA por Arvid Häusser, estudiante de diseño de la Bauhaus Universität Weimar, la admiro por el planteamiento. Su autor, en vez de limitarse a buscar una forma más o menos atractiva, siguiendo los patrones existentes, ha ido a la raíz: preguntarse, de nuevo, qué es una cafetera expresso. Tanto en cuanto a forma, como en materiales. Después de verla, resulta absurdo pensar que la porcelana desde siempre vinculada al café, no se la hubiera utilizado ya en la fabricación de una cafetera.

Viviendas sociales en Venecia

[Imagen: © seier+seier]



VIVIENDAS SOCIALES proyectadas por Cino Zucchi en el barrio de Giudecca (1997-2002). Arquitectura actual, vitalista y contextualizada. En la cual se compatibiliza el uso de un lenguaje contemporáneo, flexible para aceptar los imprevistos (del uso, del paso del tiempo), con la integración en el entorno. Sólo hay que ver lo bien que le sienta la ropa tendida, "la prueba del algodón".

Mihailo S. Petrov

[Imagen: vía BibliOdyssey]

BELLA LITOGRAFÍA —incluso el anagrama de la firma— del artista serbio Mihailo S. Petrov (1902-1983), también conocido como Michael S. Peter, integrante del movimiento vanguardista de los años veinte llamado Zenitismo.

(Street) art

[Imagen: vía this isn't happiness]

CAPTAR LA OPORTUNIDAD (¡Qué importante es Ver!), aprovechar el azar, es una de las cualidades del arte. Un artista, y no sólo plástico —en cualquier ámbito de la vida—, es aquel capaz de reconocerlas... y utilizarlas. Si detectarlas implica creatividad, actuar implica madurez y coraje.

Arjan Janssen

[Imagenes: © Arjan Janssen]

MIRO LOS DIBUJOS de Arjan Janssen y veo arquitectura. Veo geometrías, texturas, ideas, emoción... una mezcla de rigor y sentimiento. Por una parte, la precisión con que define los contornos de las formas; y por otra, la materialidad de éstas: su profundidad —la que me sugieren—. Abstracción y cercanía.

Me recuerda al Bechtold de los años 70 por la composición. Comparte con él una manera similar de ocupar el lienzo y explorar sus límites. También por el uso restringido que hace del color: sólo utiliza blancos y negros. Un lenguaje binario de positivo y negativo que aprovecha las oportunidades del soporte y la ejecución para llenarse de matices.

En cambio, se diferencia de éste en la ausencia de gestualidad y movimiento, rasgos que sí caracterizan la pintura de Bechtold. Arjan Janssen transmite solidez, serenidad, permanencia; valores que aprecio en arquitectura y encuentro en su obra.